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DESAGRAVIO A UN MARCIANO LLAMADO DESEO

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Un marciano llamado deseo fue injustamente “maleteada” cuando fue su estreno, maleteo en el cual me incluyo cuando estaba a cargo del foro de cine en informalisimo.com.

Es cierto que no es un gran filme ni pretende representar un universo propio como Álvaro Velarde o Josué Méndez, dos realizadores que también debutaban por aquellos años con paso seguro, pero tampoco es el adefesio que se pretendió.

Desde su estreno, hace seis años, no la volví a visionar hasta que hace poco la trasmitieron por la televisora estatal. La distancia permite apreciar que era una comedia con cierto encanto, una comedia en tono de farsa, donde el personaje principal, Jorge, como muchos jóvenes vive alienado con la idea de emigrar a Estados Unidos, lugar considerado como el paraíso y la solución a sus problemas no solo laborales, sino de vivir lejos de un país que él considera como degradante, horrible y de mal gusto. Pero, su eventual “pasaporte” para emigar, “la rubia tonta” Shirley, está en lo mismo, solo que a nivel global. Para ella el mundo es horrible y su liberación consiste en escapar de la tierra a un planeta más avanzado en términos civilizatorios. Demás está decir que es uno de esos turistas del “new age” que creen que Machupicchu fue construido por los extraterrestres y el Cuzco es poco menos que un aeropuerto intergaláctico.

Es en ese contrapunto, donde ambos se utilizarán para buscar una falsa solución a sus problemas, que encuentra sentido la comedia, apoyado por una serie de personajes igualmente caricaturescos. Todo en un tono de farsa, hasta ese Cuzco de piedras de cartón y personajes robotizados como Data, tributario de la serie Viaje a las estrellas. Nadie en su sano juicio puede creer que ese Cuzco descrito en el filme es el real, sino que está distorsionado deliberadamente.

Como en toda farsa, al final tendrá que revelarse la verdad, sea impuesta por los hechos o premeditada, y una “lección moral”, que será el encontrarse a si mismos y valorar lo que se tiene al lado, tanto en Jorge como en Shirley.

Es verdad que el desarrollo de la trama adolece de baches narrativos y que la calidad técnica del acabado no es de lo mejor tratándose de una película; pero en su haber está la dirección de actores, el sonido trabajado y una historia que mejor llevada habría merecido un mejor final. No obstante ello, se deja ver, manteniendo su frescura a pesar de los años.

Eduardo Jiménez J.

lagartocine@yahoo.es

 

UN MARCIANO LLAMADO DESEO

Dir y guión: Antonio Fortunic

c/ Christian Meier (Jorge), Robin Hunter (Shirley), Bruno Odar, Mónica Sánchez, Aristóteles Picho, Adolfo Chuiman, Marco Aurelio Denegri (como él mismo)

Perú/2003/Comedia**/Tv/Películas del ayer

HAIRSPRAY

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Aceptable musical. Lo interesante desde el punto social es el trasfondo del racismo que todavía se vivía en el año 1962, año de los sucesos. Lo malo es que llega a saturar sin una historia que atrape al espectador, más allá de las escenas musicales. Lo arrebatador, apreciar a la “gordita” Nikki Blonsky bailando totalmente desenfadada. Se “roba” la película. Lo bizarro, ver a John Travolta vestido de mujer obesa, parodiando su viejo papel de treinta años atrás en Fiebre de sábado por la noche, pero hay que reconocer que le sale muy natural.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

HAIRSPRAY
Dir: Adam Shankman
Guión: Leslie Dixon; basado en el guión de John Waters para su película "Hairspray" (1988) y en el musical de 2002 con libreto de Mark O'Donnell y Thomas Meehan.
c/ John Travolta (Edna Turnblad), Michelle Pfeiffer (Velma von Tussle), Christopher Walken (Wilbur Turnblad), Queen Latifah (Motormouth Maybelle), Nikki Blonsky (Tracy Turnblad)
EEUU/2007/Comedia musical***/Dvd/Películas del ayer

EL HUEVO DE LA SERPIENTE

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Fue una de las pocas producciones que Ingmar Bergman realizó con capital norteamericano, de allí que para el papel principal se propuso al desaparecido David Carradine, actor de la serie kung fu, muy popular en aquellos años. Bergman declaró que esa etapa de la historia (inicio de los años 20) le obsesionaba debido a que siendo muy niño veía a hombres vestidos a la usanza de los nacional socialistas y se respiraba ese ambiente de intolerancia de lo que vendría después. Era “el huevo de la serpiente” que luego azolaría Europa. La hiperinflación que carcomía los bolsillos de los alemanes, la imposición de humillantes condiciones de paz de los aliados hacia Alemania, la xenofobia contra los judíos, la sensación de desgobierno y de “revancha” frente a la humillación, los experimentos con personas vivas, abonaron el terreno para que ascendiera al poder Adolfo Hitler. Es que todo “salvador” debe tener el terreno listo para su entrada y a Hitler se lo servieron en bandeja de plata la ambición y arrogancia de los aliados (ese error ya no lo cometerían luego de terminada la II Guerra Mundial).

Curiosamente ese mismo malestar se vuelve a vivir ahora. De nuevo tenemos xenofobia en Europa, esta vez no contra los judíos sino contra los latinos y árabes. Cada vez cobran más fuerza los neonazis de distinto pelaje que le echan la culpa de la situación económica a los inmigrantes. Europa se cierra de nuevo y vuelve a vivir sus temores. Otra vez comienza el huevo de la serpiente a crecer…
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL HUEVO DE LA SERPIENTE [The Serpent's Egg]
Dir. y guión: Ingmar Bergman
c/ David Carradine (Abel Rosenberg), Liv Ullmann (Manuela Rosenberg), Heinz Bennent (Hans Vergerus)
EEUU,Ale/1977/ Thriller***/Dvd/Películas del ayer

EL LUNÁTICO

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Pocos realizadores como Forman pueden recrear personajes del pasado sin caer en el pastiche o peor aún en el aura santoral. Los perfila en el contexto que les tocó vivir y el conflicto que surge entre ellos y la sociedad. En Larry Flint entre la censura de la época y la libertad de expresión; en Mozart entre el genio y la mediocridad del medio; y, en Andy Kaufman (la serie Taxi es un clásico de la televisión), entre las innovaciones cada vez más audaces del genial cómico y las exigencias, ortodoxia y conformismo de las grandes cadenas de televisión.
Generalmente las películas de Forman, desde Atrapados sin salida, tratan de esa lucha, el hombre que necesita su libertad para ser él mismo y el medio que lo ata, moldea, mediocretiza. Por cierto, la interpretación como Andy Kaufman es una de las mejores de Jim Carrey.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL LUNÁTICO [Man on the moon]
Dir: Milos Forman
Guión: Scott Alexander y Larry Karaszewski
c/ Jim Carrey (Andy Kaufman/Tony Clifton), Danny DeVito (George Shapiro), Courtney Love (Lynne Margulies), Paul Giamatti (Bob Zmuda)
EEUU/1999/Biopic***/Dvd/Películas del ayer

MANHATTAN CUMPLIÓ 30 AÑOS

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La que quiso ser la película de “su” Manhattan acaba de cumplir treinta años desde su estreno. Concebida en blanco y negro –lo cual favorece una gama de grises que fueron muy bien explotados-, en una notable fotografía de Gordon Willis, que en combinación con la música de Gershwin crea un clima que electriza, sobretodo la escena inicial a modo de una obertura. Preciosa.
Por cierto, el paisaje neoyorquino es un actor más, pero es el Nueva York como lo ve Woody Allen, con sus intelectuales, una clase media liberal y hasta un poco snob. Ese paisaje urbano se ve reforzado por la música y la gama de grises.
Allen en esta etapa –que en cierta forma cierra Manhattan- todavía no se desprende de la “verborrea” que caracteriza a sus primeros filmes, así como de los gags verbales parodiando a la comunidad judía –el mismo Woody se colocaba como prototipo del judío neoyorquino intelectual, liberal y con un lastre de fobias debidas a su religión y cultura de origen-. Todavía contaba con la participación de Diane Keaton como su musa inspiradora, quizás su mejor musa –que después sería reemplazada por Mia Farrow-. También participa una debutante Mariel Hemingway –la sobrina del escritor Ermest Hemingway-, con apenas 17 años, quien luego tendría algunos papeles en la televisión norteamericana. Precisamente el papel en que participa es el de la angelical Tracy, joven estudiante enamorada del intelectual cuarentón que interpreta Allen, relación no solo platónica, sino física, contada con bastante naturalidad gracias al humor. También participa una joven Meryl Streep como la ex esposa del protagonista que, luego de la separación, convive con otra mujer.

Si bien Manhattan no llega a superar a sus predecesoras, Interiores y sobretodo Annie Hall, es disfrutable por su hermosa melodía y por contener un optimismo final que no veremos en sus posteriores filmes, más bien de tono pesimista sino trágico.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


Manhattan
Dir.: Woody Allen
Guión: Woody Allen y Marshall Brickman
c/ Woody Allen (Isaac Davis), Diane Keaton (Mary Wilkie), Michael Murphy (Yale Pollack), Mariel Hemingway (Tracy), Meryl Streep (Jill Davis)
EEUU/1979/Comedia romántica***/Dvd/Películas del ayer

EL HALCÓN DEL MAR

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Película de aventuras y piratas. Entretenida y con bastante acción. Sin muchos efectos especiales, cumple con entretener y saber contar una historia, manteniendo su frescura inicial pese al tiempo trascurrido. Por cierto Flora Robson no estuvo al nivel de la Davis en el rol de la Reina Elizabeth.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL HALCÓN DEL MAR [The Sea Hawk]
Dir: Michael Curtiz
c/ Errol Flynn (Geoffrey Thorpe), Brenda Marshall (Doña Maria), Flora Robson (Reina Elizabeth)
EEUU/1940/Aventuras***/Dvd/Películas del ayer

AMARCORD

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Si alguien pudo haber hecho una película con toque de “realismo mágico” era Federico Fellini. GGM nunca ha tenido suerte cuando se han adaptado sus novelas al cine; creo que ese “toque mágico” lo habría puesto Fellini. Viendo Amarcord existen escenas que inesperadamente se convierten en mágicas por lo onírico, salen de lo común sin que uno se de cuenta. Una buena película, originada en y por los recuerdos, cómo uno los guarda y cómo los selecciona. Un placer visual.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


AMARCORD
Dir.: Federico Fellini
c/ Magali Noël, Ciccio Ingrassia, Bruno Zanin, Pupella Maggio, Alvaro Vitali, Armando Brancia
Italia/Comedia/1973***/DVD

LARRY FLINT

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Logrado filme de Milos Forman sobre la censura y libertad de expresión en Norteamérica. Esta vez enfocado desde el lado del fundador de una revista pornográfica repetidamente censurada. El toque de la época –años 70 y 80- hace “respirar” el ambiente que se vivía en ese entonces, desde los años de la revolución sexual hasta la “revolución” conservadora de la era reaganita, con su doblez moral, así como la importancia que tiene una Corte Suprema independiente en dirimir los contenciosos donde están en juego valores constitucionales inapreciables como la libertad para expresarse sin restricción alguna. Muy buena película, en la que Milos Forman vuelve a tratar un tema caro a la sociedad norteamericana, así como fue en su momento Atrapados sin salida.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


LARRY FLINT [The People vs. Larry Flynt]
Dir.: Milos Forman
Guión: Scott Alexander y Larry Karaszewski
c/ Woody Harrelson (Larry Flynt), Courtney Love (Althea Leasure), Edward Norton ... (Alan Isaacman), Brett Harrelson (Jimmy Flynt), Donna Hanover (Ruth Carter Stapleton), James Cromwell (Charles Keating)
EEUU/1996/Drama, biopic***/Dvd/Películas del ayer

LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO

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Fue una de las mejores películas de Martin Scorsese y que causó bastante polémica entre la jerarquía católica que en ciertos países “prohibió” el filme a los feligreses y se organizó boicots en los cines donde se exhibía. Como siempre sucede en este tipo de censuras, le hizo un favor a la película por la curiosidad natural de las personas de ver algo “prohibido”.

El atractivo gira en torno a la visión que sobre Cristo hace el filme (motivado por la novela de Nikos Kazantzakis). Es un Cristo que duda, no está seguro de ser el Mesías o el salvador de la humanidad, y esa duda permite que sea tentado por el demonio estando en la cruz (de allí el título). Y si después de todo me equivoqué de camino, parece preguntarse este Cristo humanizado, no será mejor vivir una vida sencilla y sin complicaciones antes de aceptar la enorme carga que supone ser el hijo de Dios.

Las dudas (y tentaciones) de Cristo son tan legítimas como la de cualquier hombre que asume una enorme responsabilidad. No fue casual que para este filme se unieran los talentos de Scorsese y Paul Schrader, dos hombres que nutrieron su juventud de inquietudes religiosas y de dudas ligadas a la fe, uno desde el lado católico, el otro desde la perspectiva puritano protestante.

Una buena alternativa para semana santa, distinta a los usuales filmes que se proyectan en estos días.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO [The Last Temptation of Christ]
Dir.: Martin Scorsese
Guión: Paul Schrader, basado en la novela de Nikos Kazantzakis
c/ Willem Dafoe (Jesus), Harvey Keitel (Judas), Verna Bloom (Mary, Mother of Jesus), Barbara Hershey (Mary Magdalene)
EEUU/1988/Drama***/Dvd/Películas del ayer

ESCUELA DE ROCK

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Película tan refrescante como el rock mismo. Richard Linklater supo captar el espíritu iconoclasta y rebelde del rock and roll, a lo cual ayuda la desbordante y memorable actuación de Jack Black, encarnación misma de lo que es el rock, en contraposición al personaje de Joan Cusack que encarna al “sistema”.
Cinta que se disfruta una y otra vez, y no cansa. El Dvd trae extras como la selección de los actores niños (verdadera selección a lo largo de todo los Estados Unidos), comentarios del realizador y protagónicos, así como el “making off”.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


ESCUELA DE ROCK [The School of Rock]
Dir.: Richard Linklater
Guión: Mike White
c/ Jack Black (Dewey Finn), Mike White (Ned Schneebly), Joan Cusack (Rosalie Mullins)
EEUU/2003/Comedia***/Dvd/Películas del ayer

EL HOMBRE QUE BURLÓ A LA MAFIA

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Hace muchos años que no veía esta película, quizás más de veinticinco desde la última vez. Mi memoria guardaba la trama pero no los detalles. La historia de Charley Varrick, “el hombre que burló a la Mafia”, es la historia de un “perdedor” que desea salir de esa condición robando un banco cercano a la frontera, sin percatarse que está robando dinero blanqueado por el crimen organizado a través de empresas de fachada, y de cómo con inteligencia y astucia debe eludir a sus perseguidores. Eso es lo interesante de la película, la huída de Varrick de su perseguidor implacable encarnado por un actor que hacía roles secundarios muy bien: Joe Don Baker, hasta lograr burlarlos y escapar con el dinero. La escena final quemando su mameluco de trabajo que tiene inscrito el eslogan “el último de los independientes” es sintomático de su cambio de vida, de que deja de ser un “looser”, pero ya con otra identidad, distinto, a fin de poder disfrutar del dinero robado. Como dice el viejo adagio “ladrón que roba a ladrón…”.

Charley Varrick es un buen ejemplo de cómo se puede desarrollar un thirller sin caer en los excesos, combinando drama, comedia y acción.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL HOMBRE QUE BURLÓ A LA MAFIA [Charley Varrick]
Dir: Don Siegel
Guión: Dean Riesner y Howard Rodman, basados en la novela de John Reese
c/ Walter Matthau (Charley Varrick), Joe Don Baker (Molly), Felicia Farr (Sybil)
EEUU/1973/Thriller***/Películas del ayer

LA NIÑA DE TUS OJOS

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1938. Se ha producido la alianza entre el franquismo y las fuerzas del nazismo, producto de ello comienzan las coproducciones cinematográficas entre ambos países, una de ellas una película en la vertiente costumbrista, con canciones incluidas, que deberá ser rodada en Alemania, en dos versiones, una española, con actores de la península, y otra alemana, con director germano muy lejos de las costumbres andaluzas.

Lo mejor es la primera parte. Ese aire pueblerino que tiene el equipo de actores y técnicos que arriban a Berlin, con sus mezquindades, rivalidades, machismo y celos. Igual cuando se burlan del nazismo a través de un Goebbels que trata de compensar su deficiencia física demostrando que él tiene el poder o el actor alemán que resulta homosexual. Donde da un giro y se va al drama es en el desenlace, cuando la actriz principal se enamora de uno de los prisioneros y todo lo que sigue después. Si se hubiera conservado ese aire burlón hasta el final tendríamos una comedia lograda.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


LA NIÑA DE TUS OJOS
Dir: Fernando Trueba
Guión: Rafael Azcona, Miguel Ángel Egea, Carlos López, David Trueba
c/ Penélope Cruz (Macarena Granada), Antonio Resines (Blas Fontiveros), Rosa María Sardá, Neus Asensi, Jorge Sanz (Julián Torralba), Santiago Segura, Loles León, Jesús Bonilla, María Barranco, Juan Luis Galiardo.
España/1998/Comedia***/Dvd/Películas del ayer

BUSCO MI DESTINO

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Busco mi destino (Easy rider) es una película de culto. No es una gran película, pero sí un filme que reflejó toda una época: el período hippie en la Norteamérica de los años 60. Es testimonio de uno de los fenómenos sociológicos más interesantes del siglo XX, así como lo fue también el documental Woodstock (sobre el megaconcierto con el cual se cierra toda una era), coincidentemente ambos del mismo año de producción.

Easy rider trata del sentimiento de libertad reflejado en los amplios horizontes que van recorriendo los dos motociclistas. De la pradera como el edén perdido y recuperado (en eso es tributaria de los viejos westerns donde actuó “papá” Fonda) y de las ciudades como lugares de intolerancia hacia los “otros”, aquellos que no coinciden con el modelo WASP, hasta entonces el tolerado en los Estados Unidos pre-liberación sexual. Easy rider es también una protesta contra los valores tradicionales del “establishment” como el tiempo. El tiempo es oro en las sociedades capitalistas, y Peter Fonda antes de iniciar su largo recorrido en moto arroja su reloj pulsera. Pero también es reflexión sobre el camino que hasta ese momento se ha llevado. Peter –el reflexivo en la pareja que hace con Dennis Hopper- casi al finalizar la película y poco antes de su fatal muerte dice Nos hemos equivocado. Efectivamente, no era el camino, o mejor dicho, este se agotaba en la búsqueda de los placeres sensoriales, como sucedió algunos años después, cuando desaparecieron las últimas comunas hippies.

Easy rider es testimonio nostálgico de un período que ya no existe, reflejada esa tristeza en sus imágenes finales. Merece verse de nuevo ahora que cumple cuarenta años bien llevados.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


BUSCO MI DESTINO [Easy Rider]
Dir: Dennis Hopper
Guión: Peter Fonda y Dennis Hopper
c/ Peter Fonda (Wyatt), Dennis Hopper (Billy), Jack Nicholson (George)
EEUU/1969/Drama***/Dvd/Películas del ayer

LOS 300 ESPARTANOS

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Película del género “peplum” o “de romanos” como se les llamaba, donde cuenta la resistencia heroica de los 300 espartanos que defendieron el paso de las Termópilas frente al enorme ejército de Jerjes (conocida también en español como Los 300 héroes). Tiene acción, drama y hasta romance en dosis bien repartidas y fue la inspiradora de la novela gráfica 300 y la posterior película del mismo título.

Comparándola con el original, me quedo con esta pese a los modestos recursos con que fue hecha y a lo “naif” de ciertas escenas. Se deja ver “de un tirón” sin aburrirse, lo cual no se puede decir de muchos blockbusters promocionados millonariamente y con escasa sustancia.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


LOS 300 ESPARTANOS [The 300 Spartans]
Dir: Rudolph Maté
Guión: George St. George
c/ Richard Egan (Rey Leonidas), Sir Ralph Richardson (Themistocles), Diane Baker (Ellas), Barry Coe (Phylon), David Farrar ( Xerxes), Anna Synodinou (Gorgo)
EEUU/1962/Aventuras históricas***/Dvd/Películas del ayer

HAPPY TOGETHER

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Del director de 2046 y Deseando amar, Happy together es un anticipo de lo que vendría después. Autor que vuelve sobre los mismos temas (amores imposibles o frustrados), esta vez se trata de la relación entre dos hombres en una remotísima Argentina (la explicación es que está basada en un relato del escritor Manuel Puig).Amores contrariados con sus peleas y reconciliaciones, hasta que uno de los dos se da cuenta que la relación no da para más y es mejor terminar. Esa historia, contada con recursos mínimos (se nota que el presupuesto estuvo limitado), es manejada por el realizador con solvencia y calidez hacia los personajes, llegando a la inexorable conclusión, con un final que da cuenta de lo que hicieron después.Fuimos felices juntos es lo que trasunta la película (adaptando una popular canción de los sesenta), pero es mejor cortar por lo sano para bien de todos. Para entender las películas de Wong Kar-wai uno debe haber amado y sobretodo sufrido y apendido. Vale la pena.Eduardo Jiménez J.

lagartocine@yahoo.es

HAPPY TOGETHER Dir. Y guión: Wong Kar-waic/ Tony Leung (Lai Yiu-fai), Leslie Cheung (Ho Po-Wing), Chang Chen

Hong Kong/1997/Drama***/Dvd/Películas del ayer

 
 

LA ISLA DEL DOCTOR MOREAU

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Adaptación de la clásica novela de Wells. No es lo mejor, pero tiene cierto interés y el mensaje es claro, aunque innecesariamente repetitivo con palabras al final: el hombre es un ser que pretende ser superior a las demás especies, pero que apenas escarbas un poco te das cuenta que es un animal que devora al frágil ser racional que, como un endeble barniz, tiene encima; y, que jugando a ser Dios va no al paraíso sino al propio infierno. Desgarradora verdad.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


LA ISLA DEL DOCTOR MOREAU [The Island of Dr. Moreau]
Dir.: John Frankenheimer
Guión: Richard Stanley y Ron Hutchinson, basado en la novela homónima de H.G. Wells
c/ Marlon Brando (Dr. Moureau), Val Kilmer (Montgomery), David Thewlis (Edward Douglas), Fairuza Balk (Aissa)
EEUU/1996/Fantástico***/Películas del ayer

MARCIANOS AL ATAQUE

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Parodia de las viejas películas de ciencia ficción. No es casual la utilización de muñequitos que parecen de juguete, así como juguetes que resultan mortales, con ese humor negro característico de Tim Burton. Pero, detrás de esta inocente parodia, a la manera de Jonathan Swift, Burton nos muestra a la raza humana en toda la vanidad de su ego, que pronto se verá hecho trizas por unos seres más pequeñitos pero con una tecnología sofisticada. Como dice uno de los personajes “Quizás deberían destruir a todos. La raza humana no merece vivir”. Impresiona el reparto de actores y actrices de primer nivel, incluyendo al “gordito” Jack Black (cuando no era tan gordito) en un rol secundario. Marcianos al ataque se mantiene fresca como el día de su estreno y es una de sus mejores películas.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


MARCIANOS AL ATAQUE [Mars Attacks!]
Dir.: Tim Burton
Guión: Jonathan Gems
c/ Jack Nicholson (President James Dale / Art Land), Glenn Close (First Lady Marsha Dale), Annette Bening (Barbara Land), Pierce Brosnan (Professor Donald Kessler), Danny DeVito (Rude Gambler), Martin Short (Press Secretary Jerry Ross), Sarah Jessica Parker (Nathalie Lake), Michael J. Fox (Jason Stone), Rod Steiger (General Decker), Tom Jones (Himself), Jim Brown (Byron Williams), Natalie Portman (Taffy Dale), Pam Grier (Louise Williams), Jack Black (Billy Glenn Norris)
EEUU/1996/Parodia de CF***/Películas del ayer

INVASORES DE CUERPOS

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Esta es la tercera versión de la novela "Los ladrones de cuerpos" de Jack Finney. Tiene un ambiente más bien claustrofóbico, de desconfianza de todo aquel que nos era familiar, limitando la acción a una base militar contaminada. El final resulta ambiguo ya que si bien logra fugar la pareja de jóvenes, es evidente que tarde o temprano serán capturados por los “aliens” y, vencidos por el sueño, trasformados en los otros. Cine más que de efectos, de trabajo de ambientes y de actores. Interesante versión, mejor que la posterior del año 2007 con Nicole Kidman.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


INVASORES DE CUERPOS [Body Snatchers]
Dir: Abel Ferrara
Guión: Stuart Gordon, basado en la novela de Jack Finney
c/ Gabrielle Anwar (Marti Malone), Terry Kinney (Steve Malone), Billy Wirth (Tim Young), Forest Whitaker (Major Collins)
EEUU/1993/Terror***/Películas del ayer

WALL STREET

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Se dice que a veces la realidad copia al arte. Nada más cierto que en esta interesante película de Oliver Stone sobre los especuladores de la bolsa. Localizada en la década del ochenta, cuando el gobierno reaganita también desreguló el sistema financiero para que los ricos sean más ricos, nos describe el ambiente de ambición y falta de escrúpulos de aquellos que buscan enriquecerse fácilmente a costa de otros. Esta película, junto a The Bonfire of the Vanities (1990) de Brian de Palma, captaron muy bien ese ánimo especulativo y carente de escrúpulos que anidó en aquellos años y que se repitió en la presente década. Y eso que Madoff y compañía todavía no eran muy conocidos. Si bien WS lleva el mensaje moral que “el crimen no paga”, con el castigo de los “malos”, vemos que en la realidad no siempre es así, tal como ha sucedido en esta última crisis financiera en que ningún responsable está tras las rejas, sino más bien gozando de un mullido retiro.
Por cierto, se ha anunciado una segunda parte de Wall Street, aprovechando el momento que se vive.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


WALL STREET
Dir.:Oliver Stone
Guión: Stanley Weiser y Oliver Stone
c/ Charlie Sheen (Bud Fox), Michael Douglas (Gordon Gekko), Hal Holbrook (Lou Mannheim), Martin Sheen (Carl Fox), Daryl Hannah (Darien Taylor)
EEUU/1987/Drama***/Películas del ayer

TOMANDO TÉ CON MUSSOLINI

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Ubicada geográficamente en Florencia durante el período de auge y fin del fascismo, con un arco temporal de poco más de diez años, se centra en un grupo de inglesas (llamadas “las scorpioni”) amantes del arte del renacimiento y que se niegan a abandonar por la inminente guerra la tierra que consideran su segunda patria. Es la relación entre estas damas de educación refinada y un muchacho, hijo ilegítimo de un comerciante, donde se centra el filme, narrando los diferentes sucesos y cómo sobreviven en plena guerra, así como la inclinación artística del que sería en el futuro Franco Zeffirelli. Si bien es una película marcadamente autobiográfica, le faltó más emoción, dramatismo a las historias contadas, convirtiéndose más bien en una sucesión de anécdotas.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


TOMANDO TÉ CON MUSSOLINI [Tea with Mussolini]
Dir.: Franco Zeffirelli
Guión: John Mortimer, Franco Zeffirelli, basado en la autobiografía de Franco Zeffirelli
c/ Cher, Maggie Smith, Judi Dench, Joan Plowright, Lily Tomlin, Claudio Spadaro
Ita/1999/Comedia dramática***/Películas del ayer

LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES

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George Romero pensó esta película como una de “serie B” con actores poco conocidos, presupuesto bajo y para circular en lo que vendría a ser “cines de barrio”. No tenía demasiadas pretensiones, ni pertenecía tampoco al “star system” que le permita acceder a presupuestos elevados y estrellas conocidas, así que sin pena ni gloria se estrenó. Lo de “filme de culto” vino después, gracias sobretodo a los cinéfilos que les pareció sugestiva esta historia de zombies. Por cierto, no era la primera vez que el cine trataba el tema de los “muertos vivientes”, pero digamos que con Romero se popularizó e inspiró a otros realizadores a tratar de una u otra manera el tema. Todas las historias de zombies de Romero se centran en la misma estructura: un grupo humano es asediado por los muertos vivientes debiendo sobrevivir a toda costa, ello no quita que dentro del grupo de sobrevivientes existan conflictos que deban ser resueltos en forma crucial. La caracterización de los personajes es esencial para ser creíble la historia, así como los momentos en que “salta” el horror. La película tiene atmósfera, se “siente” el horror y nos deja en vilo de lo que vendrá después.
La noche de los muertos vivientes ha cumplido cuarenta años y si bien es posible que sus zombies parezcan muy lentos a las nuevas generaciones (incluso el ritmo de la película es un poco lento), ello no obsta en que se haya convertido en un referente obligado del cine de terror y de visión obligada para cualquier cinéfilo.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES [Night of the Living Dead]
Dir.: George A. Romero
Guión: John A. Russo y George A. Romero
c/ Duane Jones (Ben), Judith O'Dea (Barbra), Keith Wayne (Tom), Judith Ridley (Judy), Karl Hardman (Harry Cooper)
EEUU/1968/Terror***/Películas del ayer

BARRY LYNDON

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Stanley Kubrick (1928-1999) fue uno de los pocos realizadores que impuso un sello especial a sus filmes y que navegó, con bastante fluidez, en distintos géneros: la ciencia ficción (“2001”), el erótico-pasional (“Lolita”, “Ojos bien cerrados”), el bélico (“La patrulla infernal”, “Nacido para matar”), el histórico (“Espartaco”), el terror (“El resplandor”), la violencia futurista (“La naranja mecánica”), la parodia bélica (“Dr. Insólito”), o el drama histórico (“Barry Lyndon”). A cada uno le puso ese toque especial que tenía: distanciamiento con lo que narra, antihéroes que no llegan a alcanzar lo que tanto anhelan, encontrando la muerte o la destrucción personal al querer alcanzar sus deseos, y, como buen ajedrecista, la disposición “geométrica” de los cuadros escénicos, haciendo también uso bastante frecuente con la cámara de “travellings” (fue uno de los pioneros con la “steadycam”); así como un cada vez más cuidadoso diseño de la producción (él mismo era el productor de sus filmes) que lo llevaba a demorar en sus últimos proyectos años antes de plasmarse en la pantalla; prácticamente era el “hombre orquesta” detrás de la cámara. Era muy minucioso, muy cuidadoso en sus filmes, repetía la toma de una escena decenas de veces, nunca quedaba satisfecho con el trabajo final y sus rodajes duraban muchos meses (“Barry Lyndon” duró, sólo el rodaje, nueve meses). Tampoco era un tipo al cual le gustase la publicidad, de allí que no era mucho de declarar ante los periodistas, como hacen otros directores, y vivía apartado en su mansión de Inglaterra, donde radicó desde los años 60 (Estados Unidos, su país de origen, no le gustaba mucho). Murió en pleno proceso de edición de su obra póstuma “Ojos bien cerrados” cuando no había llegado todavía a los 72 años.

“Barry Lyndon” (1975), es una obra hermosa, quizás la que tenga la más acabada fotografía de sus filmes (Stanley Kubrick venía del mundo de la fotografía, de allí que cuidase mucho ese aspecto), basada en la novela homónima de William Makepeace Thackeray (autor poco conocido en la actualidad, pero que –me parece- es mejor que Dickens, de quien fue coetáneo), narra el ascenso y caída de un oportunista en la Europa del siglo XVIII. Narrada a modo de la novela picaresca, vemos al personaje recorrer distintos escenarios, países, conocer diversidad de gentes de todos los estratos sociales, viendo a través de los ojos de Redmond Barry su irresistible ascenso, conforme le van sucediendo las aventuras. Veremos en esa Europa donde era un desafío el ascenso a otra clase social (la movilidad social prácticamente no existía) como éste individuo osado y con un olfato para coger “al vuelo” las oportunidades que la vida le presenta ascender hasta la nobleza británica y posteriormente caer en la desgracia, víctima de su ambición.
Es cierto que vista treinta años después, a “Barry Lyndon” se le nota un academicismo (de allí que haya sido la única película de Kubrick que la Academia de Hollywood premió generosamente, aunque nunca sin conseguir el Oscar a la mejor película o el mejor director) y un acartonamiento relativo en su escenificación, con un manierismo fotográfico excesivo que resiente el conjunto de la obra; pero no se puede negar que sigue maravillando esa hermosa fotografía que fue la delicia en su época (Kubrick quiso utilizar sólo luz de velas para las escenas de interiores, pero era imposible desde el punto de vista técnico, así que se le tuvo que agregar bujías a las velas a fin de conseguir esa iluminación cálida) y una reflexión filosófica subyacente, que se torna evidente en el cartel del epílogo: al final la muerte es la gran niveladora de las personas, ricos o pobres, feos o bonitos, mujeres u hombres, a todos nos iguala y lo que hagamos o dejemos de hacer (y lo que acumulemos en éste mundo) al final queda acá, nada nos llevamos. Ese escepticismo del realizador –que se puede apreciar en otras de sus películas- es más evidente en “Barry Lyndon”: al final nos afanamos por conseguir dinero, fama, fortuna o poder y la muerte nos lo arrebata de un zarpazo.
“Barry Lyndon” merece verse y rendirle ese tributo a un cineasta que fue un gran profesional en su oficio y que comprendió y supo usar como pocos ese lenguaje totalmente distinto al escrito como es el lenguaje cinematográfico.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


BARRY LYNDON
Adaptada para el cine y dirigida: Stanley Kubrick
c/ Ryan O’Neal (Barry Lyndon), Marisa Berenson (Lady Lyndon)
UK/1975/Drama histórico***/Dvd/Películas del ayer

EL SECRETO DE LOS INCAS

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Una de las viejas películas en que se inspiró el personaje de Indiana Jones fue El secreto de los incas. Al igual que el célebre arqueólogo, el aventurero Harry Steele (interpretado por un joven Charlton Heston) busca los tesoros escondidos de los incas en un imaginario Cuzco. Arrogante, autosuficiente, hábil con los puños y las mujeres e inteligencia despierta, el personaje de Heston tiene la indumentaria que haría famoso al Dr. Jones: la casaca, el clásico sombrero, solo faltó el látigo.
La película es entretenida, está llena de aventuras, pero no es apta para quienes busquen la “fidelidad histórica” de nuestro país, aunque es divertida en esa ingenuidad con que nos dibuja.
A propósito, aparece en rol secundario una también joven Yma Sumac, luciendo con sus cánticos que la hicieron famosa en el hemisferio norte. Oportunidad para apreciarla en todo su esplendor.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL SECRETO DE LOS INCAS [Secret of the Incas]
Dir.: Jerry Hopper
Guión: Ranald MacDougall y Sydney Boehm
c/ Charlton Heston (Harry Steele), Robert Young (Stanley Moorehead), Nicole Maurey (Elena Antonescu), Thomas Mitchell (Ed Morgan), Michael Pate (Pachacutec), Yma Sumac (Kori-Tica)
EEUU/1954/Aventuras***/Dvd/Películas del ayer

BERLIN EXPRESS

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Viendo casualmente una película del pasado uno se encuentra con gratas sorpresas y también con la confirmación que no existe nada nuevo bajo el sol. Creo que muchas películas de espías están inspiradas directa o indirectamente por esta pequeña joya.

Es sabido que Jacques Tourneur fue un realizador que aprovechó los escasos recursos con que contaba en las llamadas “películas B” (de bajo presupuesto, con actores desconocidos y estrenadas en circuitos comerciales de menor importancia que los llamados “grandes estrenos”) para realizar obras mínimas pero que concentraban todo el vigor y energía en el escaso metraje, haciendo de la necesidad una fuente de creación.
Precisamente Berlin Express está filmada en locaciones externas. En las desvastadas ciudades de Berlin y Frankfurt a los pocos años de finalizada la segunda guerra mundial, todavía con los ejércitos de ocupación en suelo alemán, se produce un movimiento pacifista y unificador en una sola Alemania, que busca ser coartado por un grupo terrorista (aunque en el filme no está muy claro, parece ser el resabio de un grupo nazi de la guerra). Casi toda la acción se concentra en un tren que da título al filme, tratando de aniquilar al Dr. Bernhardt, líder de este movimiento pacifista. La duplicidad de los agentes de ambos bandos es un giro de sorpresa que nos mantiene en vilo en la poco menos de hora y media de proyección. Tanto del lado de los aliados como del lado alemán, los agentes secretos practican la duplicidad, el camuflaje, el engaño: no son lo que pretenden ser. Los “buenos” no son tan “buenos”, ni los malos tampoco (la idea también está implícita en una película de reciente visionado “La lista negra”).

Berlin Express es también un filme pacifista que teniendo como telón de fondo la Alemania en ruinas luego de la guerra, nos manda el mensaje que es mejor vivir en paz todas las naciones y que actuando por una causa justa es posible unir a personas de distinta índole e ideología. Al ser recientes los horrores del nazismo, la película se muestra un tanto “machacona” en enfatizar su mensaje con una voz en “off” que va narrando los hechos, así como la desgarradora imagen final, donde un inválido de la guerra transita sobre las ruinas de un edificio.

Pero más allá del énfasis en el mensaje, importa aprender que la escasez de recursos no es óbice para realizar una buena película, pretexto bastante común entre algunos realizadores cuando las cosas no les salen muy bien. La necesidad aguza el ingenio. Jacques Tourneur fue un ejemplo de ese precepto.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


BERLIN EXPRESS
Dir: Jacques Tourneur
Guión: Harold Medford sobre una historia de Curt Siodmak
c/ Robert Ryan (Robert Lindley), Charles Korvin (Perrot), Paul Lukas (Dr. Bernhardt), Robert Coote (Sterling)
EEUU/1948/Thriller***/Dvd/Películas del ayer

ZOOLANDER

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Buena parodia del mundo de la moda y los modelos, con cierto tono surrealista y a veces cayendo en el exceso, pero se deja ver y se disfruta. Tiene su toque de humor negro cuando explota la gasolinera. Una de las primeras películas del cómico Ben Stiller como realizador.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

ZOOLANDER
Dir y guión: Ben Stiller
c/ Ben Stiller (Derek Zoolander), Owen Wilson (Hansel), Christine Taylor (Matilda Jeffries), Will Ferrell (Mugatu), Milla Jovovich (Katinka), Jerry Stiller (Maury Ballstein)
EEUU/2001/Comedia***/Tv/Películas del ayer

 

EL AGENTE SECRETO

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Muy buena película de suspenso del maestro. Filme perteneciente a su época británica, ambientado durante la primera guerra mundial, el suspenso no se pierde ni por un momento. Ya existen elementos del estilo de Hitchcock, como la pista falsa (en la búsqueda del espía enemigo), la doble personalidad de los protagonistas centrales, no exento todo de cierto toque de humor y de ironía en los diálogos. Un personaje peculiar y por eso digno de recordación es “el general”. Magnífico Peter Lorre como el sátiro y esperpéntico hombre encargado del “trabajo sucio”, y de nombre y títulos tan largos como irrepetibles (General Pompil Moctezuma, Conde de la Villa de Albuquerque). También vemos a un joven John Gielgud (que mucho después recibiría el título de Sir) como “el agente secreto” y a un también joven Robert Young como el verdadero espía, que luego se haría famoso por la serie de tv “Papá lo sabe todo”.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL AGENTE SECRETO [Secret Agent]
Dir: Alfred Hitchcock
Guión: Charles Bennett, basado en la novela Ashenden de W. Somerset Maugham
c/John Gielgud (Edgar Brodie / Richard Ashenden), Peter Lorre (el general), Madeleine Carroll (Elsa Carrington), Robert Young (Robert Marvin), Charles Carson ('R')
UK/1936/Thriller***/Películas del ayer

EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO

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Intenso drama sobre el mundo de las drogas, algo inusual de tratar en la cinematografía norteamericana de los años 50. Retrato de marginales, de naúfragos a la deriva, de “loosers”; la acción se encuentra circunscrita a un barrio de pobres blancos, donde entre el expendedor de droga y el apostador explotan las debilidades de los seres que por un trago o un poco de heroína sobreviven en la miseria humana; de cómo al que quiere salir del vicio lo vuelven a introducir. Excepcional la actuación de Frank Sinatra como el heroinómano que quiere dejar ese mundo y no lo dejan; pero sobretodo destacable la actuación de Eleanor Parker como la mujer que finge invalidez para que el esposo le tenga lástima y se quede con ella. La angustia, manipulación, inseguridad, y desequilibrio emocional se hacen carne en la magnífica actuación de la Parker.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO [The Man with the Golden Arm]
Dir.: Otto Preminger
Guión: Walter Newman y Lewis Meltzer, basado en la novela de Nelson Algren
c/ Frank Sinatra (Frankie Machine), Eleanor Parker (Zosch), Kim Novak (Molly),
Arnold Stang (Sparrow), Darren McGavin (Louie), Robert Strauss (Schwiefka)
EEUU/1955/Drama***/Películas del ayer

BATMAN REGRESA

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La continuación del díptico burtoniano sobre el hombre murciélago. Toda la fantasía, humor negro e ironía propios del estilo de Burton están concentrados en Batman regresa, una de sus mejores películas. Se nota un Tim Burton más libre y creativo que en la primera versión, dando rienda suelta a su vuelo creativo.
Si Batman era la génesis del héroe y de su archienemigo por antonomasia (el Joker), en la continuación tenemos a dos villanos de antología: el Pingüino y Gatúbela, villanos de opereta que quedan en la galería de los mejores de Tim Burton. Gatúbela es el complemento de Batman, su lado femenino, pero igual de oscuro, marginal y “freak”.
Batman regresa es superior a Batman y marcó un hito difícil de superar en el hombre murciélago, que solo por algunos momentos Christopher Nolan ha podido superar en The Dark Knight.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


BATMAN REGRESA [Batman Returns]
Dir.: Tim Burton
Guión: Daniel Waters, basado en los caracteres creados por Bob Kane
c/ Michael Keaton (Batman / Bruce Wayne), Danny DeVito (Penguin / Oswald Cobblepot), Michelle Pfeiffer (Catwoman / Selina Kyle), Christopher Walken (Max Shreck), Michael Gough (Alfred Pennyworth)
EEUU,UK/1992/Acción***/Películas del ayer

BATMAN

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La película que cambió la visión que se tenía de los superhéroes y en especial de Batman. Nos presenta a un Batman sombrío, neurótico, con problemas personales irresueltos que impulsan su lucha contra el crimen. “Se bajó del pedestal” a los superhéroes. Fue la gran contribución de Tim Burton (inspirada en la novela gráfica de Frank Miller) en esta película oscura como la recóndita mente del hombre murciélago, y carnavalesca por el toque humorístico negro y malvado que impuso el Joker interpretado por Jack Nicholson que, por cierto, “le robó” la película a Michael Keaton.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BATMAN
Dir.: Tim Burton
Guión: Sam Hamm y Warren Skaaren, basado en los caracteres creados por Bob Kane
c/ Michael Keaton (Batman / Bruce Wayne), Jack Nicholson (Joker / Jack Napier), Kim Basinger (Vicki Vale), Pat Hingle (Commissioner James Gordon), Michael Gough (Alfred Pennyworth), Jack Palance (Carl Grissom)
EEUU,UK/1989/Acción***/Películas del ayer
 
 

GREASE CUMPLIÓ TREINTA AÑOS

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¿Por qué Grease es recordada luego de tres décadas sin ser una gran película? La respuesta –para despecho de los gustos elitistas- está relacionado más con los gustos populares que con la calidad intrínseca del filme. Como sucede con Casablanca –que hace poco cumplió sus bien afianzados 65 años-, más que las bondades de la película es ese aire de amor eterno que la rodea. En Grease se respira todavía ingenuidad, de historias de amor “para toda la vida”, contextualizada en un pasado relativamente lejano cuando se estrenó el filme: los años cincuenta, en plena era del trastocamiento de los valores tradicionales y de inicio del rock and roll, lo que posibilita que la película sea vista por las nuevas generaciones con cierto aire de rebeldía a lo James Dean. También está el hecho que el uso de códigos o maneras propias de los adolescentes son reconocibles por cualquier joven occidental de hoy o de antes, así como los tipos variados (“el matón”, el nerd, los chicos y chicas populares, etc.).

Eso ha permitido que un filme artísticamente mediocre –el director se limitó a filmar las escenas con la cámara frontal y dejando que John Travolta y Olivia Newton-John canten y encanten en escena- sea disfrutado treinta años después. Por cierto, para los cinéfilos será un descubrimiento ver a un John Travolta todavía delgado y que venía del éxito de Fiebre de sábado por la noche donde realizó piruetas al ritmo de la disco-music, que en los ochenta vería opacada su carrera para luego resurgir en los noventa gracias a Quentin Tarantino y Tiempos modernos (Pulp fiction, 1994). Poco después y de la mano de John Woo interpretaría a dos villanos memorables en Código flecha rota (Broken arroz, 1996) y Contracara (Face/off, 1997), consolidándose como actor dramático. Hace poco hizo una parodia de su época de danzarín en Hairspray (2007), entretenida comedia musical ambientada también en los cincuenta y donde da vida a una obesa ama de casa (los mal hablados decían que el papel lo hizo con bastante “naturalidad”). Olivia Newton-John, en cambio, venía de ser una estrella del canto que en los ochenta se retiraría víctima del cáncer, realizando ahora breves apariciones.
Algunos años después, en 1982, se estrenó Grease 2, con Michelle Pfeiffer en el protagónico, pero no tuvo el éxito de la versión original.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


GREASE
Dir.: Randal Kleiser
Guión: Jim Jacobs y Warren Casey
c/ John Travolta (Danny Zuko), Olivia Newton-John (Sandy Olsson), Stockard Channing (Betty Rizzo), Jeff Conaway (Kenickie)
EEUU/1978/Musical**/Dvd/Películas del ayer

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