MARÍA ANTONIETA
MARÍA ANTONIETA [Marie Antoinette]
Dir.: Sofia Coppola
Guión: Sofia Coppola; basado en el libro "María Antonieta: La última reina" de Antonia Fraser
c/ Kirsten Dunst (María Antonieta), Jason Schwartzman (Luis XVI), Rip Torn (Luis XV), Judy Davis (condesa de Noailles), Asia Argento (madame Du Barry), Marianne Faithfull (emperatriz María Teresa)
EEUU-Fra/2006/Biopic+++
Creo que a los franceses no les ha caído en mucha gracia el filme de Sofía Coppola sobre la última reina de Francia debido a que no se ciñe a la imagen “tradicional” e histórica que todos tenemos de la reina austriaca, a la que algunos -con bastante injusticia- han achacado la responsabilidad del derrumbe de la monarquía y el advenimiento de la revolución francesa.
Es que la María Antonieta descrita por la Coppola más corresponde a una joven soñadora y pragmática a la vez de fines del siglo XX que a la encopetada y frívola soberana que –producto de su desconocimiento político y desconexión con la realidad- sugería que el pueblo, al morirse de hambre, coma tortas al no tener pan. (Un ejemplo: cuando conoce personalmente a su novio y futuro esposo –de quien solo tenía referencias por un pequeño retrato- le dice que es más joven de lo que parece, pareciendo así más una chica contemporánea que conoce a un muchacho por el chat o el correo electrónico y le habla de tú a tú que la futura reina de Francia, que debe guardar todas las formalidades propias de su investidura).
Abarcando un arco temporal de cerca de veinte años, desde que la joven (tenía quince años) María Antonieta es entregada en matrimonio al delfín de Francia, Luis XVI, en 1770, a fin de cimentar la alianza franco-austriaca hasta la huída de la familia real de Versalles en 1789 (otro detalle que no presenciamos en la película es la decapitación de María Antonieta, para los efectos de la historia fílmica no interesa mucho). Como en Lost in translation (Perdidos en Tokio, 2003) y también en su primer filme, Las vírgenes suicidas (1999), la idea-fuerza no es tanto el recuento escrupuloso de los hechos históricos tal como sucedieron sino describir la soledad, la falta (o dificultad) de comunicación, el aislacionismo y la falta de comprensión hacia el otro en el mundo post moderno. Por eso, en María Antonieta no importan tanto los hechos históricos propiamente, sino adentrarnos en el alma femenina de la protagonista. Saber que piensa, cómo se siente, cómo se ve esta joven en un mundo extraño a ella, asemejándose el diseño del personaje a una mujer contemporánea a fin que la generación actual la vea con los ojos propios de la percepción e ideología de esta época.
En una corte frívola y ceremonial (como María dice en un momento de desesperación frente a todo ese absurdo ceremonial es ridícula, y la chaperona le retruca secamente es Versalles), María Antonieta es alegre, espontánea, pero se aburre en ese mundo, al que con el tiempo se adaptará y le “sacará la vuelta”, consiguiendo un amante, comprando compulsivamente ropas y zapatos (como cualquier mujer de la época actual) y haciendo sus días más llevaderos en esa corte que la agobia y frente a un joven rey bastante frío e indiferente a su joven esposa, que prefiere dedicarse a la caza y hacer candados que a complacer a su fogosa y calenturienta consorte (las hormonas dirían los médicos actuales).
María Antonieta al final se impondrá a esa corte, al costo de adquirir ese carácter frívolo con el que ha pasado a la historia. De allí que la realizadora también alterne la música clásica con música rock, en consonancia con lo que quiere trasmitir: el deseo y sentimiento de una chica que quiere vivir su vida como cualquier adolescente, liberarse de ese oprobio ceremonial (“prisionera de la corte”) en la música a fin de ser ella misma; y, son esas escenas con música “discrónica” (que no corresponde a la época en que se desarrolla la historia) las mejores del filme.
En lo personal preferimos el anterior trabajo de Sofía Coppola, Lost in translation, nos parece el más acabado de su –por ahora- corta filmografía como realizadora. Sin embargo, María Antonieta merece verse por la frescura e irreverencia con que ha tratado al personaje, salvando así el acartonamiento “histórico”, escollo principal y más peligroso en éste tipo de filmes.
Pese a que se anunció su estreno en nuestro país, M.A. jamás se estrenó comercialmente –con lo que ya suman decenas las películas que por una misteriosa razón al final son cancelados los estrenos, pese a que en países vecinos se exhiben sin dificultad-, aunque está disponible en dvd, sobretodo para quienes seguimos la carrera de esta interesante cineasta. Como dice el viejo adagio “de raza le viene al galgo”. No hay que perder su trayectoria. Todavía tiene mucho más que aportar esta joven realizadora.
P.D.: Por esas exrañas razones que tiene nuestra exhibición local, por fin le dieron luz verde a María Antonieta. Esperemos no dure una semana como pasa con otros estrenos de interés, así que por si acaso apresúrense a verla.
lagartocine@yahoo.es
Dir.: Sofia Coppola
Guión: Sofia Coppola; basado en el libro "María Antonieta: La última reina" de Antonia Fraser
c/ Kirsten Dunst (María Antonieta), Jason Schwartzman (Luis XVI), Rip Torn (Luis XV), Judy Davis (condesa de Noailles), Asia Argento (madame Du Barry), Marianne Faithfull (emperatriz María Teresa)
EEUU-Fra/2006/Biopic+++
Creo que a los franceses no les ha caído en mucha gracia el filme de Sofía Coppola sobre la última reina de Francia debido a que no se ciñe a la imagen “tradicional” e histórica que todos tenemos de la reina austriaca, a la que algunos -con bastante injusticia- han achacado la responsabilidad del derrumbe de la monarquía y el advenimiento de la revolución francesa.
Es que la María Antonieta descrita por la Coppola más corresponde a una joven soñadora y pragmática a la vez de fines del siglo XX que a la encopetada y frívola soberana que –producto de su desconocimiento político y desconexión con la realidad- sugería que el pueblo, al morirse de hambre, coma tortas al no tener pan. (Un ejemplo: cuando conoce personalmente a su novio y futuro esposo –de quien solo tenía referencias por un pequeño retrato- le dice que es más joven de lo que parece, pareciendo así más una chica contemporánea que conoce a un muchacho por el chat o el correo electrónico y le habla de tú a tú que la futura reina de Francia, que debe guardar todas las formalidades propias de su investidura).
Abarcando un arco temporal de cerca de veinte años, desde que la joven (tenía quince años) María Antonieta es entregada en matrimonio al delfín de Francia, Luis XVI, en 1770, a fin de cimentar la alianza franco-austriaca hasta la huída de la familia real de Versalles en 1789 (otro detalle que no presenciamos en la película es la decapitación de María Antonieta, para los efectos de la historia fílmica no interesa mucho). Como en Lost in translation (Perdidos en Tokio, 2003) y también en su primer filme, Las vírgenes suicidas (1999), la idea-fuerza no es tanto el recuento escrupuloso de los hechos históricos tal como sucedieron sino describir la soledad, la falta (o dificultad) de comunicación, el aislacionismo y la falta de comprensión hacia el otro en el mundo post moderno. Por eso, en María Antonieta no importan tanto los hechos históricos propiamente, sino adentrarnos en el alma femenina de la protagonista. Saber que piensa, cómo se siente, cómo se ve esta joven en un mundo extraño a ella, asemejándose el diseño del personaje a una mujer contemporánea a fin que la generación actual la vea con los ojos propios de la percepción e ideología de esta época.
En una corte frívola y ceremonial (como María dice en un momento de desesperación frente a todo ese absurdo ceremonial es ridícula, y la chaperona le retruca secamente es Versalles), María Antonieta es alegre, espontánea, pero se aburre en ese mundo, al que con el tiempo se adaptará y le “sacará la vuelta”, consiguiendo un amante, comprando compulsivamente ropas y zapatos (como cualquier mujer de la época actual) y haciendo sus días más llevaderos en esa corte que la agobia y frente a un joven rey bastante frío e indiferente a su joven esposa, que prefiere dedicarse a la caza y hacer candados que a complacer a su fogosa y calenturienta consorte (las hormonas dirían los médicos actuales).
María Antonieta al final se impondrá a esa corte, al costo de adquirir ese carácter frívolo con el que ha pasado a la historia. De allí que la realizadora también alterne la música clásica con música rock, en consonancia con lo que quiere trasmitir: el deseo y sentimiento de una chica que quiere vivir su vida como cualquier adolescente, liberarse de ese oprobio ceremonial (“prisionera de la corte”) en la música a fin de ser ella misma; y, son esas escenas con música “discrónica” (que no corresponde a la época en que se desarrolla la historia) las mejores del filme.
En lo personal preferimos el anterior trabajo de Sofía Coppola, Lost in translation, nos parece el más acabado de su –por ahora- corta filmografía como realizadora. Sin embargo, María Antonieta merece verse por la frescura e irreverencia con que ha tratado al personaje, salvando así el acartonamiento “histórico”, escollo principal y más peligroso en éste tipo de filmes.
Pese a que se anunció su estreno en nuestro país, M.A. jamás se estrenó comercialmente –con lo que ya suman decenas las películas que por una misteriosa razón al final son cancelados los estrenos, pese a que en países vecinos se exhiben sin dificultad-, aunque está disponible en dvd, sobretodo para quienes seguimos la carrera de esta interesante cineasta. Como dice el viejo adagio “de raza le viene al galgo”. No hay que perder su trayectoria. Todavía tiene mucho más que aportar esta joven realizadora.
P.D.: Por esas exrañas razones que tiene nuestra exhibición local, por fin le dieron luz verde a María Antonieta. Esperemos no dure una semana como pasa con otros estrenos de interés, así que por si acaso apresúrense a verla.
lagartocine@yahoo.es
SOPHIE SCHOLL: LOS ÚLTIMOS DÍAS [Sophie Scholl: Die letzten tage]
SOPHIE SCHOLL: LOS ÚLTIMOS DÍAS [Sophie Scholl: Die letzten tage]
Dir.: Marc RothemundGuión: Fred Breinersdorfer
c/ Julia Jentsch (Sophie Scholl), Alexander Held (Robert Mohr), Fabian Hinrichs (Hans Scholl), Florian Stetter (Christoph Probst)
Alemania/2005/Drama***
Canto a la libertad y a la resistencia contra la dictadura en la Alemania nazi.
Sophie Scholl llama la atención por una puesta en escena absolutamente desdramatizada, muy al estilo de Bertolt Brecht. Si bien hay una simpatía por el personaje central, no es menos cierto que existe un distanciamiento con el tema tratado. A manera de una crónica se va describiendo los últimos días y horas de la protagonista (una activista de la organización de resistencia llamada la Rosa Blanca, que se dedicaban a mandar cartas a los ciudadanos alemanes sobre la verdadera condición en el frente de guerra y la imposibilidad de ganarla), desde su captura hasta su ejecución.
Es así que la cámara va siguiendo a la protagonista desde el momento en que imprime las hojas de lucha en un mimeógrafo, pasando por su captura cuando las distribuye y el interrogatorio por la Gestapo. Incluso los policías no son tratados como tipos pérfidos y sádicos torturadores de sus víctimas, sino como fríos burócratas que cumplen con su función. El interrogatorio es la parte central de la trama, basándose en la dicotomía de interrogado e interrogador. La primera una joven idealista de 21 años que lucha por la libertad y se atiene a las consecuencias de sus acciones. Y, el segundo, el policía, que como miles de alemanes de aquella época, cree que el nacionalsocialismo traerá la grandeza y prosperidad de Alemania. El juego dialéctico de ambos es lo más rico de la película. El juicio es apenas una fachada de legalidad, de una sentencia que ya se sabe de antemano. Un presidente de corte que no busca saber la verdad de los hechos, sino que está imbuido del fanatismo hitleriano. La sentencia condenatoria es el necesario epílogo al drama.
Sophie Scholl es una película aparentemente mínima, con austeridad de escenografías y sustentada en sólidas actuaciones, empezando por la actriz que encarna a la protagonista principal; y, es también un canto a la libertad, y que donde exista el autoritarismo y la dictadura, siempre habrá un puñado de resistentes. La historia de aquí y de allá ha comprobado reiteradamente que mientas existan Sophie Scholl, la libertad estará asegurada como uno de los bienes más preciados del ser humano y su muerte no será en vano.
lagartocine@yahoo.es
ESCÁNDALO [Notes on a scandal]
ESCÁNDALO [Notes on a scandal]
Dir: Richard Eyre
Guión: Patrick Marber; basado en la novela de Zoë Heller
c/ Judi Dench (Barbara Covett), Cate Blanchett (Sheba Hart), Bill Nighy (Richard Hart), Andrew Simpson (Steven Connolly)
UK/2006/Drama***
Escándalo (o Diario de un escándalo) se sustenta en dos sólidas y buenas actuaciones: Judi Dench interpretando a una profesora de escuela pública de carácter y personalidad fuerte, sola y soltera, que tiene como único refugio frente a lo que le rodea su diario personal donde fielmente va anotando las principales cosas que le ocurren. Cate Blanchett personifica a la frágil profesora de arte, recién ingresada y que lleva a cuestas un matrimonio que ha entrado en crisis, una hija adolescente a quien guiar y un menor con retraso mental. Andrew Simpson es el joven alumno de quien se enamora, un adolescente de quince años, que será una válvula de escape a sus frustraciones personales. Richard Hart (Bill) es el marido burlado, un hombre que le duplica la edad a su esposa. Es un “triángulo amoroso” que lo descubriremos en el transcurrir de la trama, percatándonos que los sentimientos de Barbara hacia Sheba son de naturaleza lésbica, sintiendo celos de los encuentros de su amiga con el joven Steven, ordenándole cortar inmediatamente esa relación al tenerla en sus manos por el descubrimiento casual de los encuentros furtivos. Sin embargo, Barbara tiene un amor posesivo, absorbente, dominante, con antecedente en otras profesoras que tuvieran que “escapar” de ella. Por eso, al ser un personaje bastante rico y complejo, es que la película es contada desde el punto de vista de ella o mejor dicho de su diario.
La película sortea bien el delicado escollo de tratar el lesbianismo de Barbara, así como el de la relación entre Sheba y Steven. Es bastante pudoroso el realizador, quizás demasiado. Apenas una frase suelta por ahí, un deseo reprimido de tocar el objeto del deseo, un aparente juego inocente de rozar la piel. También ha sabido sortear el asunto del juicio, no incidiendo en el proceso judicial y enterándonos apenas por el titular de un periódico de la sentencia contra Sheba. La prensa amarilla inglesa, por cierto, no sale bien librada del tratamiento chismográfico y sensacionalista que se le inflige.
Escándalo sin ser una gran película se deja ver. Quizás en la resolución final se nota cierto apresuramiento, pero así y todo es una cinta interesante y que solo por el placer de ver las actuaciones de Judi Dench y Cate Blanchett merece verse.
lagartocine@yahoo.es
Dir: Richard Eyre
Guión: Patrick Marber; basado en la novela de Zoë Heller
c/ Judi Dench (Barbara Covett), Cate Blanchett (Sheba Hart), Bill Nighy (Richard Hart), Andrew Simpson (Steven Connolly)
UK/2006/Drama***
Escándalo (o Diario de un escándalo) se sustenta en dos sólidas y buenas actuaciones: Judi Dench interpretando a una profesora de escuela pública de carácter y personalidad fuerte, sola y soltera, que tiene como único refugio frente a lo que le rodea su diario personal donde fielmente va anotando las principales cosas que le ocurren. Cate Blanchett personifica a la frágil profesora de arte, recién ingresada y que lleva a cuestas un matrimonio que ha entrado en crisis, una hija adolescente a quien guiar y un menor con retraso mental. Andrew Simpson es el joven alumno de quien se enamora, un adolescente de quince años, que será una válvula de escape a sus frustraciones personales. Richard Hart (Bill) es el marido burlado, un hombre que le duplica la edad a su esposa. Es un “triángulo amoroso” que lo descubriremos en el transcurrir de la trama, percatándonos que los sentimientos de Barbara hacia Sheba son de naturaleza lésbica, sintiendo celos de los encuentros de su amiga con el joven Steven, ordenándole cortar inmediatamente esa relación al tenerla en sus manos por el descubrimiento casual de los encuentros furtivos. Sin embargo, Barbara tiene un amor posesivo, absorbente, dominante, con antecedente en otras profesoras que tuvieran que “escapar” de ella. Por eso, al ser un personaje bastante rico y complejo, es que la película es contada desde el punto de vista de ella o mejor dicho de su diario.
La película sortea bien el delicado escollo de tratar el lesbianismo de Barbara, así como el de la relación entre Sheba y Steven. Es bastante pudoroso el realizador, quizás demasiado. Apenas una frase suelta por ahí, un deseo reprimido de tocar el objeto del deseo, un aparente juego inocente de rozar la piel. También ha sabido sortear el asunto del juicio, no incidiendo en el proceso judicial y enterándonos apenas por el titular de un periódico de la sentencia contra Sheba. La prensa amarilla inglesa, por cierto, no sale bien librada del tratamiento chismográfico y sensacionalista que se le inflige.
Escándalo sin ser una gran película se deja ver. Quizás en la resolución final se nota cierto apresuramiento, pero así y todo es una cinta interesante y que solo por el placer de ver las actuaciones de Judi Dench y Cate Blanchett merece verse.
lagartocine@yahoo.es
APOCALYPTO
APOCALYPTO
Dir: Mel Gibson.
Guión: Mel Gibson y Farhad Safinia
c/ Rudy Youngblood (Jaguar Paw), Dalia Hernandez (Seven), Jonathan Brewer (Blunted), Raoul Trujillo (Zero Wolf), Gerardo Taracena (Middle Eye), Rodolfo Palacios (Snake Ink), Fernando Hernandez Perez (sumo sacerdote), Maria Isidra Hoil (oráculo).
USA./2006/Acción y aventura***
Apocalypto no tiene las pretensiones de querer contar algo “importante” como sucedía con La pasión de Cristo, donde hasta Dios lloraba por el sufrimiento infligido al Hijo. Esta vez estamos ante una historia más sencilla: el camino de supervivencia que debe recorrer un hombre precolombino sorteando mil peligros para poder salvar a su familia. Desde ese punto de vista Apocalypto es una película de acción y aventuras que funciona bien. El interés no decae, estamos en vilo por lo que le sucederá al personaje, cómo sorteará el siguiente escollo, sazonado todo en un contexto histórico determinado: la inminente conquista española en el siglo XVI. En ese aspecto el filme tiene un ritmo que se mantiene de principio a fin.
La película no pretende ser fielmente histórica. Lo es tanto como podrían ser cientos de películas de Hollywood sobre lugares exóticos que los trata por igual, así sea Egipto, Persia, China o el antiguo México. Pero, la película tiene también una “trampita”: el mensaje ideológico subyacente. En las más de dos horas de proyección presenciamos a un grupo de salvajes que sacrifican seres humanos para sus rituales, venden como esclavos a los prisioneros que sobran y donde no existe la persona sino el grupo o la manada que responde a instintos básicos (la excepción es Jaguar Paw). Este mundo sangriento se verá “redimido” en la escena final, cuando a la distancia se divisa a los primeros españoles que llegan al otrora poderoso imperio Maya trayendo la cruz y por tanto la civilización. Para un católico conservador como Mel Gibson la idea es obvia: la cristiandad y la civilización occidental que descansa en gran parte en el legado de Cristo “redimirá” a estos salvajes que son poco más que animales. Más allá no hay civilización posible. Y es en ese discurso ideológico donde la película es discutible (como lo es también 300 en el mismo plano), no en las incoherencias históricas que pudieran existir, debido a que pertenece al ámbito de la ficción y no del documental.
Apocalypto es mucho mejor que La pasión de Cristo y parece que allí, contando aventuras en un contexto histórico determinado como sucedió con Corazón valiente, y sin pretender nada extraordinario, es donde mejor se desenvuelve el ahora realizador Mel Gibson.
lagartocine@yahoo.es
Dir: Mel Gibson.
Guión: Mel Gibson y Farhad Safinia
c/ Rudy Youngblood (Jaguar Paw), Dalia Hernandez (Seven), Jonathan Brewer (Blunted), Raoul Trujillo (Zero Wolf), Gerardo Taracena (Middle Eye), Rodolfo Palacios (Snake Ink), Fernando Hernandez Perez (sumo sacerdote), Maria Isidra Hoil (oráculo).
USA./2006/Acción y aventura***
Apocalypto no tiene las pretensiones de querer contar algo “importante” como sucedía con La pasión de Cristo, donde hasta Dios lloraba por el sufrimiento infligido al Hijo. Esta vez estamos ante una historia más sencilla: el camino de supervivencia que debe recorrer un hombre precolombino sorteando mil peligros para poder salvar a su familia. Desde ese punto de vista Apocalypto es una película de acción y aventuras que funciona bien. El interés no decae, estamos en vilo por lo que le sucederá al personaje, cómo sorteará el siguiente escollo, sazonado todo en un contexto histórico determinado: la inminente conquista española en el siglo XVI. En ese aspecto el filme tiene un ritmo que se mantiene de principio a fin.
La película no pretende ser fielmente histórica. Lo es tanto como podrían ser cientos de películas de Hollywood sobre lugares exóticos que los trata por igual, así sea Egipto, Persia, China o el antiguo México. Pero, la película tiene también una “trampita”: el mensaje ideológico subyacente. En las más de dos horas de proyección presenciamos a un grupo de salvajes que sacrifican seres humanos para sus rituales, venden como esclavos a los prisioneros que sobran y donde no existe la persona sino el grupo o la manada que responde a instintos básicos (la excepción es Jaguar Paw). Este mundo sangriento se verá “redimido” en la escena final, cuando a la distancia se divisa a los primeros españoles que llegan al otrora poderoso imperio Maya trayendo la cruz y por tanto la civilización. Para un católico conservador como Mel Gibson la idea es obvia: la cristiandad y la civilización occidental que descansa en gran parte en el legado de Cristo “redimirá” a estos salvajes que son poco más que animales. Más allá no hay civilización posible. Y es en ese discurso ideológico donde la película es discutible (como lo es también 300 en el mismo plano), no en las incoherencias históricas que pudieran existir, debido a que pertenece al ámbito de la ficción y no del documental.
Apocalypto es mucho mejor que La pasión de Cristo y parece que allí, contando aventuras en un contexto histórico determinado como sucedió con Corazón valiente, y sin pretender nada extraordinario, es donde mejor se desenvuelve el ahora realizador Mel Gibson.
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PEQUEÑA MISS SUNSHINE [Little Miss Sunshine]
PEQUEÑA MISS SUNSHINE [Little Miss Sunshine]
Dir: Jonathan Dayton y Valerie FarisGuión: Michael Arndt.
c/ Greg Kinnear (Richard), Toni Collette (Sheryl), Steve Carell (Frank), Paul Dano (Dwayne), Abigail Breslin (Olive), Alan Arkin (abuelo).
EEUU/2006/Comedia dramática***
Parece que el cine independiente norteamericano está tratando de manera distinta a la tradicional a la típica familia norteamericana. Así, Transamérica trataba sobre un padre que quiere convertirse en mujer, y un hijo cuya máxima ambición es hacer películas porno. Pequeña Miss Sunshine, también coincidentemente una ópera prima –primera obra- de los realizadores, rodada con presupuesto bajo y estructurada igualmente como una road movie, trata ya no el tema de la tolerancia que debe surgir entre padre e hijo “anormales”, sino la disfuncionalidad de una familia en el marco del competitivo mundo norteamericano.
La presentación de la familia no puede ser más disfuncional: un abuelo heroinómano y agresivo, un padre fracasado que da cursos sobre el éxito, una madre que no puede lidiar con su familia, un tío homosexual que intentó suicidarse por un desplante amoroso, un joven que ha hecho voto de silencio contra el sistema y una niña regordeta que quiere ser reina de belleza infantil (de allí el título de la cinta).
Al estar estructurada como una road movie, el viaje hasta el lugar del concurso es apenas un pretexto para que los miembros de esa disfuncional familia vayan conociéndose en sus propias contradicciones, todos juntos viajando en una destartalada furgoneta, símbolo de su precariedad económica y de sentido en la vida.
Porque al final no importa que gane o no el concurso la pequeña Olive, sino que esa familia que sigue el “american way life” se va conociendo un poco más y encontrando un sentido para sus vidas. Como dice el tío homosexual Frank, en la escala de valores actual del éxito, Proust –el gran novelista francés- sería un fracasado; dándose cuenta esta singular familia que es una locura estar insertado en ese esquizofrénico e insensato mundo de la competencia, muy bien reflejado en la escena del concurso, donde niñas de siete años deben parodiar los estándares comunes de la belleza para ganar en el concurso infantil.
Pequeña Miss Sunshine es una interesante película de ese cine independiente norteamericano que por acá arriba con un poco de suerte.
lagartocine@yahoo.es
JESUCRISTO SUPERSTAR [Jesus Christ Superstar]
JESUCRISTO SUPERSTAR [Jesus Christ Superstar]
Dir.: Norman Jewison
c/ Ted Neeley (Jesucristo), Carl Anderson (Judas), Yvonne Elliman (María Magdalena), Bob Bingham (Caifas), Barry Dennen (Poncio Pilato)
USA/1973/Musical+++/DVD
La popular y clásica ópera rock de los setenta. La obra se estructura en torno a la dicotomía de los personajes de Cristo y Judas, con un contrapunto de voces entre Ted Nelly (timbre agudo, casi chillón) y Carl Anderson (timbre más bien grave), y en el medio de ambos, el personaje de María Magdalena, interpretado por la actriz hawaiana Yvonne Elliman.
El personaje de Judas es más rico en matices que el de Cristo. Es más complejo y es visto no como un traidor sino como un cuestionador del endiosamiento de Jesús, una suerte de “mosca en la oreja” del Mesías, a fin que no se crea el cuento de su origen divino. Para Judas la liberación del pueblo hebreo está más en este mundo que en el otro, más en la lucha concreta contra los romanos que en el amar al enemigo, lo que va en consonancia con el sesgo nacionalista que se ha querido interpretar alternativamente a la imagen del “traidor” clásico.
Por cierto, quizás en estos tiempos de lo “políticamente correcto” no se vería bien que Judas (que simboliza todavía la traición) sea interpretado por un actor negro, mientras que Cristo (que simboliza el bien, la bondad) sea un actor rubio y de ojos azules, muy en consonancia con los íconos occidentales y europeos; aunque al final de la obra, por el arrepentimiento demostrado por Judas antes de morir, ya como espíritu se gane un lugar en el cielo (lleva ya no un traje rojo, de tono luciferino, sino blanco con flequitos, muy a la moda setentera), aunque siga con la “lata” de la discusión con Cristo hasta en el más allá, lo que demuestra que el personaje de Judas estuvo dibujado más que como un villano como un tipo inconforme con el sistema, muy a lo “hippie” de aquellos años.
Otro de los aspectos interesantes que contiene el filme es que hace del personaje de Cristo un ser más de carne y hueso que divino, un hombre que duda, que está cansado de la misión encomendada y que quisiera ser un mortal más y no tanto “el hijo de Dios”. Acerca a Jesucristo a lo humano, con las flaquezas propias de nuestra especie, usando elementos de la cultura pop insertados en la época de los hechos, lo que paradójicamente le ha permitido mantener su frescura original, conservando su vigencia treinta años después de estrenada.
Hay un estribillo de la letra que el coro repite como un leit motiv: ¿Valió la pena tanto sacrificio? Dos mil años después de los sucesos históricos la respuesta es escéptica: quizás no, quizás no valió la pena tanto sacrificio.
lagartocine@yahoo.es
Dir.: Norman Jewison
c/ Ted Neeley (Jesucristo), Carl Anderson (Judas), Yvonne Elliman (María Magdalena), Bob Bingham (Caifas), Barry Dennen (Poncio Pilato)
USA/1973/Musical+++/DVD
La popular y clásica ópera rock de los setenta. La obra se estructura en torno a la dicotomía de los personajes de Cristo y Judas, con un contrapunto de voces entre Ted Nelly (timbre agudo, casi chillón) y Carl Anderson (timbre más bien grave), y en el medio de ambos, el personaje de María Magdalena, interpretado por la actriz hawaiana Yvonne Elliman.
El personaje de Judas es más rico en matices que el de Cristo. Es más complejo y es visto no como un traidor sino como un cuestionador del endiosamiento de Jesús, una suerte de “mosca en la oreja” del Mesías, a fin que no se crea el cuento de su origen divino. Para Judas la liberación del pueblo hebreo está más en este mundo que en el otro, más en la lucha concreta contra los romanos que en el amar al enemigo, lo que va en consonancia con el sesgo nacionalista que se ha querido interpretar alternativamente a la imagen del “traidor” clásico.
Por cierto, quizás en estos tiempos de lo “políticamente correcto” no se vería bien que Judas (que simboliza todavía la traición) sea interpretado por un actor negro, mientras que Cristo (que simboliza el bien, la bondad) sea un actor rubio y de ojos azules, muy en consonancia con los íconos occidentales y europeos; aunque al final de la obra, por el arrepentimiento demostrado por Judas antes de morir, ya como espíritu se gane un lugar en el cielo (lleva ya no un traje rojo, de tono luciferino, sino blanco con flequitos, muy a la moda setentera), aunque siga con la “lata” de la discusión con Cristo hasta en el más allá, lo que demuestra que el personaje de Judas estuvo dibujado más que como un villano como un tipo inconforme con el sistema, muy a lo “hippie” de aquellos años.
Otro de los aspectos interesantes que contiene el filme es que hace del personaje de Cristo un ser más de carne y hueso que divino, un hombre que duda, que está cansado de la misión encomendada y que quisiera ser un mortal más y no tanto “el hijo de Dios”. Acerca a Jesucristo a lo humano, con las flaquezas propias de nuestra especie, usando elementos de la cultura pop insertados en la época de los hechos, lo que paradójicamente le ha permitido mantener su frescura original, conservando su vigencia treinta años después de estrenada.
Hay un estribillo de la letra que el coro repite como un leit motiv: ¿Valió la pena tanto sacrificio? Dos mil años después de los sucesos históricos la respuesta es escéptica: quizás no, quizás no valió la pena tanto sacrificio.
lagartocine@yahoo.es
EL DESCANSO [THE HOLIDAY]
EL DESCANSO [THE HOLIDAY]
Dirección y guión: Nancy Meyers.
c/ Cameron Diaz (Amanda Woods), Kate Winslet (Iris Simpkins), Jude Law (Graham), Jack Black (Miles), Eli Wallach (Arthur), Edward Burns (Ethan)USA/2006/Comedia romántica***
Convencional, pero agradable comedia romántica.
El descanso (Vacaciones en el otro título en español) es superior a Alguien tiene que ceder, otra comedia romanticona anterior de la realizadora Nancy Meyers (parece que es su “especialidad”), donde se describía la relación sentimental madura entre unos más que otoñales Jack Nicholson y Diane Keaton.Esta vez se trata de dos mujeres independientes y jóvenes que tratan de olvidar sendos amores contrariados. Con personalidades contrapuestas (una llora fácilmente de todo, la otra es fría como un témpano de hielo), va a un ritmo pausado (lo que origina una duración de más de dos horas), se regodea con las situaciones que les sucede a los dos personajes (más con el de Cameron Diaz). Naturalmente al final –como sucede en las comedias de este género- las parejas que se formaron al azar terminarán felices comiendo perdices. Para los fans de El graduado hay un “cameo” - aparición breve y no estelarizada de un actor, director o personaje muy conocido del mundo del cine- de Dustin Hoffman y una crítica abierta –aunque un poco machacona- a la forma actual de hacer películas en Hollywood, donde el box office (la taquilla) determina si una película es buena o no. De allí que vemos últimamente tantos bodrios que provienen de allá, aunque El descanso felizmente se salva.
lagartocine@yahoo.es
Dirección y guión: Nancy Meyers.
c/ Cameron Diaz (Amanda Woods), Kate Winslet (Iris Simpkins), Jude Law (Graham), Jack Black (Miles), Eli Wallach (Arthur), Edward Burns (Ethan)USA/2006/Comedia romántica***
Convencional, pero agradable comedia romántica.
El descanso (Vacaciones en el otro título en español) es superior a Alguien tiene que ceder, otra comedia romanticona anterior de la realizadora Nancy Meyers (parece que es su “especialidad”), donde se describía la relación sentimental madura entre unos más que otoñales Jack Nicholson y Diane Keaton.Esta vez se trata de dos mujeres independientes y jóvenes que tratan de olvidar sendos amores contrariados. Con personalidades contrapuestas (una llora fácilmente de todo, la otra es fría como un témpano de hielo), va a un ritmo pausado (lo que origina una duración de más de dos horas), se regodea con las situaciones que les sucede a los dos personajes (más con el de Cameron Diaz). Naturalmente al final –como sucede en las comedias de este género- las parejas que se formaron al azar terminarán felices comiendo perdices. Para los fans de El graduado hay un “cameo” - aparición breve y no estelarizada de un actor, director o personaje muy conocido del mundo del cine- de Dustin Hoffman y una crítica abierta –aunque un poco machacona- a la forma actual de hacer películas en Hollywood, donde el box office (la taquilla) determina si una película es buena o no. De allí que vemos últimamente tantos bodrios que provienen de allá, aunque El descanso felizmente se salva.
lagartocine@yahoo.es
300
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Dir: Zack Snyder
Guión: Zack Snyder, Kurt Johnstad y Michael B. Gordon; basado en la novela gráfica de Frank Miller y Lynn Varley.
c/ Gerard Butler (rey Leónidas), Lena Headey (reina Gorgo), Rodrigo Santoro (Rey Jerjes)
USA/2006/Acción***
Otra nueva adaptación de una novela gráfica de Frank Miller, esta vez la versión libre de la batalla de las Termópilas, donde 300 espartanos (la verdad fueron un poco más, contaron con la ayuda de pueblos vecinos) contra la invasión de Jerjes a la antigua Grecia, en lo que se conoce como la Segunda Guerra Médica.
Lo que más destaca en la cinta es la concepción visual bastante estilizada, con predominancia de colores sepias y uso constante de los efectos por computadora, así como esa fisonomía andrógina del rey Jerjes y la abundancia de torsos desnudos, lo que invita a una lectura más “moderna” de aquellos valientes soldados de la antigüedad (Jerjes en un momento determinado le agarra los hombros a Leónidas, estando este último de espaldas, y le promete todo el poder y oro del mundo si se le somete); sin embargo los personajes no tienen hondura, son bastante primarios, no existe una riqueza y complejidad como los habidos en Sin City, la otra novela gráfica de Miller que se adaptó hace un par de años. Lo que cuenta en 300 es la acción y la abundancia de sangre (hasta los créditos finales están salpicados del líquido rojo), son los mejores momentos de la película. A los amantes del género y para pasar el rato está bien.
lagartocine@yahoo.es
Dir: Zack Snyder
Guión: Zack Snyder, Kurt Johnstad y Michael B. Gordon; basado en la novela gráfica de Frank Miller y Lynn Varley.
c/ Gerard Butler (rey Leónidas), Lena Headey (reina Gorgo), Rodrigo Santoro (Rey Jerjes)
USA/2006/Acción***
Otra nueva adaptación de una novela gráfica de Frank Miller, esta vez la versión libre de la batalla de las Termópilas, donde 300 espartanos (la verdad fueron un poco más, contaron con la ayuda de pueblos vecinos) contra la invasión de Jerjes a la antigua Grecia, en lo que se conoce como la Segunda Guerra Médica.
Lo que más destaca en la cinta es la concepción visual bastante estilizada, con predominancia de colores sepias y uso constante de los efectos por computadora, así como esa fisonomía andrógina del rey Jerjes y la abundancia de torsos desnudos, lo que invita a una lectura más “moderna” de aquellos valientes soldados de la antigüedad (Jerjes en un momento determinado le agarra los hombros a Leónidas, estando este último de espaldas, y le promete todo el poder y oro del mundo si se le somete); sin embargo los personajes no tienen hondura, son bastante primarios, no existe una riqueza y complejidad como los habidos en Sin City, la otra novela gráfica de Miller que se adaptó hace un par de años. Lo que cuenta en 300 es la acción y la abundancia de sangre (hasta los créditos finales están salpicados del líquido rojo), son los mejores momentos de la película. A los amantes del género y para pasar el rato está bien.
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